Vitória - Regulamentação do Design

REGULAMENTAÇÃO DO DESIGN

Para quem não sabe o que é REGULAMENTAÇÃO, vamos desde o princípio.

As profissões em geral são compostas por direitos e deveres do trabalhador e do empregador, algumas têm sua norma regulamentadora no Ministério do Trabalho. Normalmente as profissões que é regida por uma legislação própria  é classificada como profissões regulamentadas, que são aquelas que em sua legislação está determinando quais as obrigações a exercer, e também sobre os direitos e deveres que possui em determinado exercício. 
Temos como exemplo de benefícios de atuar em profissões regulamentadas:

• Licença
• Carteira Profissional
• Cédula Profissional
• piso salarial
• jornada de trabalho
• adicionais
• exames médicos
• órgãos reguladores aos quais elas são vinculadas
• outros

As profissões regulamentadas tem sua própria exigência quanto à formação do profissional que poderá exercê-las, como formação técnica, cursos superiores, diplomas específicos, entre outras exigências acadêmicas. Em alguns casos além das exigências do Ministério do Trabalho é necessário também outros critérios, como é o caso da profissão de advogado, que mesmo depois de formado em direito, o profissional só poderá exercer a profissão se for aprovado no exame da Ordem dos Advogados do Brasil – OAB.

texto: http://www.educacao.cc/profissional/o-que-sao-profissoes-regulamentadas/

REGULAMENTAÇÃO DA PROFISSÃO DE DESIGNER É APROVADA NO SENADO

12/11/2014 FONTE : AGÊNCIA SENADO

Fonte

A Comissão de Assuntos Sociais (CAS) aprovou, nesta quarta-feira (12), projeto que regulamenta a profissão de designer. O PLC 24/2013, do deputado Penna (PV-SP), determina que somente os titulares de curso superior, ou pessoas com experiência mínima de três anos até a data de publicação da lei, possam exercer a profissão de designer. Se não houver recurso para votação em Plenário, a proposta seguirá para a sanção presidencial.

Pela proposta, fica vedada a entrada no mercado de trabalho de pessoas sem a adequada qualificação para realizar atividades envolvendo desenhos industriais, pesquisa, magistério, consultoria e assessoria, conexas aos desenhos. Além disso, o fruto do trabalho do designer passa a ser protegido pela Lei dos Direitos Autorais.

Os diplomas de graduação que serão considerados válidos são os emitidos pelos cursos de Comunicação Visual, Desenho Industrial, Programação Visual, Projeto de Produto, Design Gráfico, Design Industrial, Design de Moda e Design de Produto, reconhecidos pelo Ministério da Educação.

O projeto prevê punição para a pessoa física ou jurídica que usar a denominação designer ou empresa de design sem cumprir os critérios estabelecidos na lei. A pena será advertência, após denúncia ao órgão fiscalizador, com um prazo de 180 (cento e oitenta) dias para regularizar sua situação. Esgotado esse prazo, a pessoa ou empresa que permaneça em desacordo estará sujeita às sanções previstas na Lei das Contravenções Penais (Decreto-Lei 3.688/1941).

Para o relator da proposta, senador Paulo Davim (PV-RN), a proposta representa um avanço nas relações entre capital e trabalho.

Confira nosso infográfico sobre o histórico da batalha pela regulamentação no Brasil:

http://www.designbrasil.org.br/design-em-pauta/regulamentacao-da-profissao-de-designer-e-aprovada-senado/#.VGQB_TTF8cU

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Escola de Ulm

Escola de Ulm

5.1 Escola Superior de Design de Ulm, HfG (Hochschule fur Gestaltung)

Escola Superior de Design de Ulm

  Fundada em 1953 por Inge Aicher- Scholl, Otl Aicher e Max Bill que foi seu primeiro diretor, a HfG deu continuidade á filosofia da Bauhaus e à filosofía racionalista que caracterizou a primeira metade do século XX, mas inovou na metodologia de ensino: o “modelo de Ulm” se dava através de dois processos: o pensamento sistemático e a discussão lógica, isto é, através do sistemas de projetos em que eram estudadas todas as funções do produto e da sua analise. Era um Racionalismo científico voltado para a tecnologia de produção.

  

Pesquisas sobre estruturas espaciais

  De tendência abstrata e racionalista Max Bill (diretor entre 1953-57) que foi aluno da Bauhaus e que influenciou a corrente Concreta da Arte no Brasil quando ganhou o premio da primeira Bienal de São Paulo em 1951, e Tomás Maldonado (diretor entre 1956-66), artista e designer argentino, tiveram grande influencia sobre o caminho que tomou a HfG. Os estudos para a formação em desenho industrial incluíam, desta vez, comunicação visual, arquitetura e cinema. Max Bill também influenciou o design no Brasil através de Alexandre Wollner, que foi aluno da HfG, na criação e filosofia da ESDI, Escola Superior de Desenho Industrial no Rio de Janeiro. Outros professores foram OIlt Aicher, Max Bense, Hans Gugelot e Gui Bonsiepe, que trabalhou no Programa de Desenvolvimento de Produtos do CNPq em 1981 e em 1983 nos Laboratórios Associados de Desenho Industrial LBDI em Florianópolis.

  Na década de 60 a escola forma "grupos de desenvolvimento" para estabelecer ligações com a indústria (Braun, Lufthansa) sob a direção de Dieter Rams. Nestes grupos os alunos da Ulm realizavam projetos que já estavam comprados pelas empresas com as quais desenvolviam as suas pesquisas. Como os projetos eram pagos e a escola recebia subvenções regionais em 1968 o parlamento regional retira o subsídio e a escola fecha.

Compact appliance SK 4, 1956 Design: Hans Gugelot, Dieter Rams
Comissionado por: Braun AG

Foto: Wolfgang Adler, Ulm City Archive

Carroceria "autonova fam," 1965

Design: Michael Conrad, Pio Manzù, Fritz B. Busch
Foto Braun Engels Gestaltung

  O Design da HfG se caracterizou pelo design objetivo e centrado na sua função social. Se tornou um estilo na sua extrema funcionalidade que reduzia as formas e as cores a sua mínima expressão: cor cinza perola, textura mate, formas geométricas, acabado fino, estrutura integral. Mas também inovaram na pesquisa de estruturas espaciais, na criação de patas ajustáveis, objetos empilháveis e sistemas modulares. Pesquisaram e desenvolveram Design com materiais inovadores, desenho ergonômico, versátil e adaptável. A gama de pesquisa se ampliou no design de aparelhos eletrodomésticos e eletrônicos. 

TC 100, 1959 Diploma project: Hans (Nick) Roericht
Foto: Wolfgang Adler, Ulm City Archive © Ulmer Museum/HfG Archive

Cadeiras empilháveis 224/1, projeto de Georg Leowald, 1954

     5.2. Die Gute Form (Good Design, Bom Design, Buen Diseño)

 

  Depois da II Guerra Mundial a empresa alemã Braun se refaz e depois estabelece colaboração com a escola de Ulm. Enquanto isso, em 1949 Max Bill concebe uma exposição itinerante de design chamada “Die Gute Form”  e um grupo de designers se forma com esse nome. Estes designers promoviam um design altamente funcional, que preencha requerimentos ergonômicos e físicos, onde o cuidado com o design devia ir até o último detalhe, mas sempre sob uma linha de design harmonioso e simples, um design inteligente baseado na tecnologia inovadora e as necessidades de uso. Para eles um "bom design" devia ter validez e durabilidade, com peças que possam ser substituídas. Antes de ser diretor da HfG Dieter Rams já desenhava para a Braun a partir de 1955.

Produtos Braun

Dieter Rams Radio Braun RT-20, 1960

  Por este motivo a HfG esteve estreitamente relacionada com o movimento da "Gute Form" ou do "Bom Design" e ambas promoveram uma grande inovação no Design da segunda metade do século XX. O movimento "Gute Form" por exemplo, defendia um design que não fosse descartável, que desse aos produtos uma duração de muitas décadas, como os eletrodomésticos Braun, conhecidos pela sua elevadíssima qualidade e durabilidade. Valorizaram também uma adequada relação com o meio ambiente, a perfeita adaptabilidade ao corpo humano e á precisão das funções práticas do produto.

  Com a HfG e o movimento do "Bom Design" difundiram-se os conceitos de Método Projetual, os sistemas modulares, as funções do produto e a pesquisa cientifica para o Design: física, química, psicologia, sociologia, cinética, ergonomia e tecnologia. (veja o vídeo sobre a ESDI no link da esquerda para entender a influencia da Ulm no Brasil)

credencial pelas informações:http://www.estagiodeartista.pro.br/artedu/histodesign/5_funcionalismo.htm

Mais informações sobre:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=instituicoes_texto&cd_verbete=5696




Escola de Ulm no Youtube.

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Estilo Internacional

A padronização da forma visual através de informações simples, concretas e racionais, eliminando qualquer tipo de interferência visual, com o objetivo de ser compreendida universalmente, eram as características do movimento artístico modernista denominado Estilo Internacional. Surgido na Suíça, teve sua maior produção entre 1950 e 1970, foi uma vertente do Funcionalismo que, por sua vez, propunha como forma de expressão o princípio de que “a forma segue a função” e que qualquer ornamento era, portanto, considerado inútil.

Em 1950, influenciados pelos princípios funcionalistas da Bauhaus e pela nova tipografia de Jan Tschichold (um dos primeiros designers a abolir a serifa dos tipos), os estudantes das escolas suíças da Basiléia e Zurique, sob a orientação dos diretores Armin Hofmann, Emil Ruder (Basiléia) e Joseph Muller-Brockmann (Zurique), fizeram experimentos que resultaram em algumas famílias tipográficas, e que são frequentemente utilizadas até os dias de hoje.

As características desse movimento incluíram uma mudança na arquitetura, que começou a projetar edifícios visando a funcionalidade e eliminando toda a ornamentação característica das antigas construções, e tendo como principal nome o arquiteto de origem suíça Le Corbusier. No design aplicou-se a máxima clareza, layouts estruturados, nitidez, minimalismo, fotografias objetivas, funcionalidade, levando-se em consideração as necessidades do homem e a compreensão da mensagem.

Grandes corporações adotaram o novo design funcional em seus produtos e na identidade visual de suas empresas. Tudo o que fosse desnecessário ao funcionamento do produto era eliminado. Linhas simples, durabilidade, equilíbrio e unificação eram as exigências fundamentais. Os produtos da Braun, por exemplo,eram semelhantes, em geral com acabamento em branco ou preto lustroso, com o logotipo da companhia bem visível. Em plena era industrial a racionalidade e funcionalidade desses produtos propagou o design do Estilo Internacional mundialmente.

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Styling/Streamlinng (EUA, anos 30 )

                                         Styling/Streamlinng (EUA, anos 30 )

O estilo que se desenvolveu nos Estados Unidos após a Grande Depressão, nos anos 1930, é chamado Styling ou Streamlining. Sua principal característica é adoção da aerodinâmica como elemento do design. Formas arredondadas, suaves, a forma de lágrima era aplicadas de apontadores de lápis à automóveis, trens. A aerodinâmica, inicialmente aplicadas aos meios de transporte, como recurso de melhoria de condições e aumento da velocidade, num segundo momento é interpretada como sinônimo de velocidade, modernidade e tecnologia. Desta maneira, as formas consideradas aerodinâmicas passaram a ser aplicadas nos mais variados artigos: de apontadores, luminárias, até automóveis e trens.
A estilização dos produtos nesta época possuía relação com a estética e com a idéia de que re-estilizando os produtos, estes poderiam se tornar mais competitivos e atraentes para o consumidor. A chamada obsolescência programada dos produtos ganha força nos anos seguintes, sobretudo no pós-guerra nos EUA.
Na década de 1930 e 1940 os materiais plásticos começam a ser utilizados para moldar objetos e invólucros dos produtos. A baquelita, um plástico da fácil modelagem, é bastante empregada na confecção de rádios, possibilitando as
formas curvas e suaves ou aerodinâmicas. Destaque para Raymond Loewy, que ficou famoso ao associar a estilização dos produtos ao crescimento das vendas. A revista Time estampou seu rosto na capa, com a seguinte frase: “He streamline the sales curve”, algo como “Ele aerodinamizou a curva de vendas” (FIELL, 2005, P.426). Loewy redesenhou marcas, trabalhando com identidade corporativa, criou designs para automóveis, refrigeradores, aviões, interiores. Trabalhou com empresas como a Coca-Cola, Shell e a Nasa. Loewy foi um designer versátil e com uma habilidade para trabalhar com projetos diversificados. Entre seus trabalhos mais conhecidos estão a embalagem dos cigarros Luke Strike, a garrafa de vidro de Coca-Cola, a marca da Shell.
Merecem destaque, também, os trabalhos de: Norman Bel Geddes, Walter Dorwin Teague, Richard Buckminster Fuller e Henry Dreyfuss, que deixou contribuições fundamentais na área da Ergonomia.
Referências
ARGAN, Giulio Carlo. 8ª. Edição. Conceitos da arte moderna: do iluminismo aos movimentos contemporâneos. São Paulo: Editora Schwarcz, 2002.
BÜRDEK, Bernhard. História, teoria e prática do design de produtos. São Paulo: Edgard Blücher, 2006.
CARDOSO, Rafael. Uma introdução à história do design. 2. ed. São Paulo: Edgard Blücher, 2004.
FIELL, Charlotte and Peter. Design do século XX. Itália: Taschen, 2005.
HESKETT, John. Desenho industrial. 2. ed. São Paulo: Editora José Olympio, 1980.
. Design. São Paulo: Editora Ática, 2002.
PEVSNER, Nikolaus. Pioneiros do Desenho Moderno: de William Morris a Walter Gropius. 2 ed. São Paulo: Martins Fontes, 1995.

TAMBINI, Michael. O design do século. São Paulo: Ática, 1997.

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O Kitsch (anos 50)

                                                          O Kitsch (anos 50)

O termo kitsch tem origem nó alemão, verkitschen, com sentido de trapacear, enganar. A idéia do kitsch tomou forma para designar o design vulgar, mais popular e as cópias de má qualidade. O termo é considerado a antítese do Good design, isto é, da noção do bom gosto no design. Nos anos 50, é atribuído aos produtos vistos como mal acabados, que tentavam imitar as características dos produtos Good Design, mas pouco se assemelhavam a estes. (FIELL, 2005) Embora muitas vezes a palavra kitsch seja empregada para designar algo de mau
gosto, o kitsch é mais amplo e ultrapassa a noção instituída de bom gosto no design; abrange produtos cotidianos, souvenirs, bugigangas e artigos de plástico. Nos anos 70, o kitsch perde esta visão negativa para ser adotado como recurso de bom humor e crítica ao consumo e à noção estabelecida de bom gosto. Nos anos 70 e 80 o kitsch torna-se elemento da criação de designers pós-modernos, em produtos e interiores, com apelo irônico na contramão do bom gosto e sofisticação do Good design e do Estilo Internacional.
Dentre os elementos kitsch estão as cores fortes e vibrantes, como a associação entre vermelho e púrpura, mistura de padrões decorativos, imitação de estilos passados, exagero, coleções, muitas lembrancinhas, souvenirs e bugigangas de todo tipo.

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Arte Deco (França, 1925)

                                                            Arte Deco (França, 1925)

A Arte Deco teve início como um estilo decorativo internacional, mais do que um movimento no design, na Exposição Internacional de Artes Decorativas e
Industriais Modernas, em Paris, 1925. Dentre as referências ecléticas estão a inspiração no Cubismo de Picasso e Braque, a civilização egípcia, as máscaras africanas, o Surrealismo, Futurismo, Abstracionismo geométrico. O estilo Arte Deco caracteriza-se por formas geométricas e linhas retas, solidez, volumes e planos sobrepostos. Os materiais utilizados eram luxuosos, como o mármore, o bronze, madre-pérola e peles de animais.
O estilo Arte Deco está associado à percepção da vida urbana, da agitação das grandes cidades, dos altos edifícios imponentes no cenário urbano. Inicialmente, o estilo é sofisticado, posteriormente popularizando-se para as classes médias. Sua popularização deve-se ao cinema americano e britânico, que retratavam o estilo elegante dos interiores nos filmes da época. Embora a Arte Deco tenha surgido na França, foi nos Estados Unidos que alcançou grande repercussão e aceitação, nos mais variados artigos: de produtos até arquitetura.
Destaques da Arte Deco:
Jacques-Émile Ruhlmann, Pierre-Émile Legrain, Pené Lalique, Jean Dunand, Edgar-William Brandt, Eileen Gray, Pierre Chareau, Robert Mallet-Stevens.
Destaque para o Chrysler Building, de William van Alen, construído em Nova York entre os anos de 1928 e 1930; para a empresa Wells Coates, da Inglaterra, que fabricou diversos artigos Arte Deco.
O estilo Arte Deco perde força quando a sofisticação inicial é substituída por objetos kitsch, feitos muitas vezes com materiais baratos que imitavam os luxuosos, e com o início da Segunda Guerra Mundial.

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Bauhaus ( Alemanha, 1919-1933)

                                              Bauhaus ( Alemanha, 1919-1933)


A Bauhaus nasceu como uma escola de design, pensada como uma instituição interdisciplinar, que funcionasse como uma consultoria para a indústria, comércio e ofícios (FIELL, 2005). Criada na cidade de Weimar, na Alemanha, Bauhaus significa casa em construção. A escola tornou-se uma espécie de mito na história do design, por defender uma formação singular e uma visão do design como transformador da sociedade. A escola passou por mudanças em seus anos de funcionamento, com cidades, diretores e professores diversos. Os ideais que formaram a Bauhaus eram também divergentes, o que possibilitou uma concepção interdisciplinar.
A escola possuía um curso preliminar, que ensinava os princípios básicos do design e da teoria da cor e forma; e as oficinas, para as quais os alunos dirigiam-se após cursar um ano do curso preliminar. Essas oficinas ofereciam formação com metais, mobiliário, tecidos, tapeçaria, fotografia, tipografia, etc.
Em seus primeiros anos, na cidade de Weimar, a escola reuniu no corpo docente vários artistas expressionistas, tais como Lyonel Feininger, Wassily Kandisnky, Paul Klee, Georg Muche e Oskar Schlemmer. Johannes Itten teve um papel fundamental neste começo, ministrando aulas de teoria da forma, história da arte, baseado no estímulo à criatividade individual do aluno, com uma metodologia singular chamada de “intuição e método” (FIELL, 2005, p.87).
Em 1923 foi realizada uma exposição com a produção da Bauhaus e também contava com obras e produtos de artistas ligados ao Neoplasticismo (De Stijl) e ao Construtivismo, que exerceram grande influência sobre a Bauhaus. A escola sofria pressões por parte do governo local, por se tratar de uma instituição estatal, e a exposição tinha como objetivo divulgar e vender sua produção.
A segunda fase da escola, de 1925 a 1928, é marcada por mudanças no corpo docente e na direção. Walter Gropius é substituído por Hannes Meyer; arquiteto com uma visão mais científica e racional, com fortes aspirações políticas. Meyer introduziu aulas de economia, psicologia e marxismo na Bauhaus. A sede da escola passa a ser em na cidade de Dessau e os professores recebem moradias próximas localizadas próximas à escola, com uma arquitetura funcional que viria a influenciar a arquitetura funcionalista posteriormente. Nesta segunda fase, Josef Albers e László Moholy-Nagy substituem Johannes Itten e conferem uma abordagem mais industrial à escola, realizando visitas às fábricas locais. A escola passa a ser chamada de Instituto de design (Hochschule fur Gestaltung).
A partir de 1930, a escola passa por mais transformações, desta vez com a direção do arquiteto Mies van der Rohe, que adotou o método Bau und Ausbau, isto é, construção e desenvolvimento (FIELL, 2005), com ênfase na arquitetura. Como a Bauhaus possuía forte inclinação marxista, já sofria perseguição por parte do partido nacional-socialista que havia chegado ao poder e tentava fechar a escola. Mies van der Rohe tentou manter a escola em funcionamento como instituição privada, mas não obteve sucesso. Em 1933 as atividades são encerradas oficialmente e a escola é dissolvida pelos professores.
A contribuição da Bauhaus foi muito importante na criação de cursos de Design, pela pedagogia e formação preliminar associada à prática das oficinas, unindo arte, design, artesanato e indústria.
Mies van der Rohe, Marcel Breuer, Walter Gropius e Josef Albers foram para os Estados Unidos após o fechamento da escola. László Moholy-Nagy chegou a ser nomeado diretor da New Bauhaus, uma tentativa de restabelecer a escola em Chicago em 1937, mas que teve curta duração.
Em 1938 foi realizada uma exposição sobre a Bauhaus e sua importância para o design, no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMa).

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